Materialpaket Kunst Klasse 8-10

Frühlingsfantasie – Portrait trifft Surrealismus Kunst Klasse 9 In diesem spannenden Unterrichtsmaterial entdecken Schüler*innen die faszinierende Verbindung zwischen Portraitkunst und Surrealismus. Sie lernen, wie sie ihre kreativen Ideen umsetzen und dabei verschiedene Techniken anwenden können. Lernziele: Kennenlernen und Anwenden der Grundlagen der Portraitzeichnung. Verständnis für Proportionen und Schattierungstechniken entwickeln. Experimentieren mit surrealistischen Elementen und Formen. Entwicklung kreativer Frühlingsmotive durch Verfremdung eines Gesichts. Materialien: Zeichenpapier (DIN A3 oder A4) Bleistifte in verschiedenen Härtegraden (HB, 2B, 4B, 6B) Radiergummi, Kneaderradiergummi Farbstifte, Aquarellfarben oder Pastellkreiden Beispiele von Portraits und surrealistischen Kunstwerken/Internetrecherche Teil 1: Methodische Übungsreihe – Grundlagen des Portraits Schritt 1: Einteilung eines Gesichts Ein Gesicht wird in zwei Hälften geteilt: eine skizzierte und eine waagerechte Augenlinie. Die Nasenlinie wird mittig zwischen Augenlinie und Kinn eingezeichnet. Die Mundlinie befindet sich zwischen Nasenlinie und Kinn. Die Ohren befinden sich auf Höhe der Augenlinie. Schritt 2: Darstellung von Gesichts-Elementen Augen: verschiedene Formen und Blickrichtungen mit Schattierungen. Nase: einfache Grundformen bis zur detaillierteren Ausarbeitung. Mund: verschiedene Ausdrucksmöglichkeiten durch Emotionen. Schritt 3: Schattierungstechniken (Zusatzaufgabe) Schraffierung (feine, parallele Linien) Kreuzschraffur (doppelte Linien für stärkere Schattierung) Wischtechnik (sanfte Übergänge mit Finger oder Papier) Teil 2: Surrealismus – Farbgestaltung und Frühlingsfantasie Schritt 1: Was ist Surrealismus? Der Surrealismus ist eine Kunstrichtung, die in den 1920er Jahren entstand und Träume, Fantasien und das Unterbewusste darstellt. Typische Merkmale sind: Unverwartete Kombinationen: Objekte oder Lebewesen werden ungewöhnlich verbunden. Veränderung von Formen: Elemente nehmen eine verzerrte oder fließende Gestalt an. Neue Realitäten: Naturgesetze scheinen außer Kraft gesetzt. Symbolik und Emotionen: Die Bilder erzeugen oft eine geheimnisvolle oder traumartige Atmosphäre. Schritt 2: Bekannte Künstler des Surrealismus Salvador Dalí – Berühmt für seine schmelzenden Uhren ("Die Beständigkeit der Erinnerung"). René Magritte – Verfremdete Alltagsgegenstände, z. B. ein Apfel als Gesicht. Max Ernst – Collagierende und mystische Kompositionen. Schritt 3: Fragen zur Auseinandersetzung mit surrealistischer Kunst Was empfindest du, wenn du surrealistische Bilder betrachtest? Welche Elemente lassen das Bild unwirklich erscheinen? Was unterscheidet Surrealismus von einem normalen Portrait? Welche Ideen fallen dir zum Thema "Frühlingsfantasie – Portrait trifft Surrealismus" ein? Arbeitsauftrag – Ideen zur surrealistischen Gestaltung des Portraits sammeln Schritt 1: Brainstorming – Welche surrealistischen Frühlingsfantasien sind möglich? Blumen oder Blätter wachsen aus dem Gesicht? Die Haare bestehen aus Wolken oder Schmetterlingen? Ein Auge ist eine Sonne, das andere ein Tropfen Wasser? Der Mund verwandelt sich in eine Blüte? Farben symbolisieren verschiedene Emotionen oder Jahreszeiten? Schritt 2: Skizzen und Farbkonzept entwickeln Die Schüler*innen erstellen kleine Skizzen mit möglichen surrealistischen Elementen. Sie überlegen, welche Farben ihre Ideen unterstützen (warme Frühlingsfarben, kühle Fantasiefarben, Kontraste etc.). Sie diskutieren ihre Ideen in Kleingruppen oder mit dem Lehrer. Schritt 3: Umsetzung auf das Portrait Die surrealistischen Elemente werden in das gezeichnete Portrait integriert. Farben werden bewusst eingesetzt, um den Traumcharakter zu verstärken. Experimentieren mit verschiedenen Maltechniken, um fließende, veränderte oder überlagernde Effekte zu erzielen. Bewertungskriterien Bewertungskriterium Exzellent (10-9) Gut & Befriedigend (8-7) Ausreichend (6-5) Mangelhaft (4-0) Gesamtwirkung Stimmige Komposition Gute Komposition Einige Schwächen Unzureichende oder keine Umsetzung Farbgestaltung Farbgebrauch und -konzept hervorragend Farbgebrauch und -konzept gut Farbgebrauch und -konzept ausreichend Farbgebrauch und -konzept mangelhaft Teil 2: Surrealismus Starke Ideen und Umsetzung Gute Ideen und Umsetzung Einige Ideen, aber schwache Umsetzung Keine Ideen oder Umsetzung

Klassenstufen: 9. Klasse

Fusion der Kulturen - Wenn Unterschiede verbinden Klasse 9/10 Dieses Material bietet eine spannende Möglichkeit, kulturelle Unterschiede und Gemeinsamkeiten zu entdecken. Die Schüler*innen lernen, wie verschiedene Kulturen miteinander interagieren und sich gegenseitig beeinflussen. Dabei entwickeln sie ein besseres Verständnis für kulturelle Vielfalt und die Bedeutung von Respekt im Umgang mit Fremdem. Deine Aufgabe Wähle einen Schwerpunkt: Entscheide dich für einen Bereich, der dich interessiert: Architektur, Landschaft, Essen, Symbole oder Rituale. Lass zwei Kulturen aufeinandertreffen und zeige, wie sie sich gegenseitig beeinflussen. Suche dir zwei Kulturen aus, die in einem Bild begegnen. Achte darauf, sowohl Unterschiede als auch Gemeinsamkeiten zu zeigen. Überlege die Darstellung: Wie kannst du das Zusammenspiel von Bekanntem und Fremdem künstlerisch umsetzen? Setze deine Idee kreativ um, z.B. durch Collage, Zeichnung oder Malerei. Hintergrundinformation für Lehrkräfte Impulse für eine Einstiegsdiskussion: „Was ist für dich vertraut – was erscheint dir fremd?“ „Wie beeinflussen sich Kulturen gegenseitig?“ „Sehen wir Kulturen als getrennt oder als verflochten?“ Diese Fragen fördern einen offenen Dialog über kulturelle Formen des Zusammenlebens und helfen, Stereotypisierungen zu vermeiden. Kunst als Vermittler zwischen Kulturen Kunst ermöglicht es, kulturelle Unterschiede sichtbar zu machen. Sie fördert den Austausch und das Verständnis zwischen verschiedenen Kulturen. Dabei ist es wichtig, kulturelle Einflüsse zu erkennen und zu reflektieren. Beispiele für kulturelle Begegnungen Architektur: Moscheen in Spanien als Vermischung islamischer und europäischer Bauweisen. Malerei: Orientalismus in der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts. Künstlerische Erweiterungen Die Schüler*innen können ihre Arbeiten in einer gemeinsamen Collage oder Installation zusammenführen. So entdecken sie neue Verbindungen zwischen den dargestellten Kulturen. Fair-Play-Richtlinien Bitte beachte, dass viel Zeit und Mühe in die Erstellung dieser Materialien geflossen ist. Die Materialien dürfen nur für deinen eigenen Unterricht verwendet werden. Das Teilen oder Veröffentlichen im Internet ist nicht gestattet. Durch die Einhaltung dieser Richtlinien respektierst du das geistige Eigentum und trägst dazu bei, die angemessene Nutzung dieser Unterrichtsmaterialien zu sichern.

Klassenstufen: 9-10. Klasse

Unterrichtsmaterial: Identität im Porträt Identität im Porträt – Wer bin ich, und wie kann ich das zeigen? Zielsetzung der Einheit: In dieser Unterrichtseinheit setzen sich Schüler*innen kreativ mit dem Thema „Identität“ auseinander. Sie entwickeln Selbstbilder, die über das Äußere hinausgehen und Persönliches, Gesellschaftliches sowie Symbolisches sichtbar machen. Der Fokus liegt auf: kreativem Ausdruck durch Mixed Media dem Zusammenspiel von Technik und Inhalt dem kritischen und künstlerischen Nachdenken über das eigene Ich Pädagogischer Mehrwert: Förderung von Selbstreflexion und Persönlichkeitsentwicklung Schulung im Umgang mit Bildkomposition, Symbolik und Materialwahl Vertiefung von Bildanalysekompetenz durch Betrachtung berühmter Porträts (Kahlo, Picasso, Basquiat) Kreatives Arbeiten mit Recyclingmaterialien und Schrift (fachverbindend mit Deutsch / AES / Ethik möglich) Bildungsplanbezug (Baden-Württemberg, Sek. I): Fach: Bildende Kunst – Klasse 8–10 Kompetenzbereiche: Bild gestalten: Kombination von Materialien, Ausdruck von Gefühlen und inneren Bildern Bildrezeption: Kunstwerke analysieren, vergleichen, beschreiben Kunst im gesellschaftlichen Kontext: Auseinandersetzung mit Themen wie Selbstdarstellung, Identität, Protest Konkrete Leitperspektiven: Personale Kompetenz: Selbstwahrnehmung, Selbstgestaltung, kreative Selbstausdrucksformen Bildung für nachhaltige Entwicklung (BNE) – bei Collage/Upcycling (Materialeffizienz, Konsumverhalten) Kulturelle Bildung und Teilhabe: Sichtbarkeit individueller und kultureller Vielfalt Ein Porträt zeigt einen Menschen – aber nicht nur das Aussehen Ein gutes Porträt kann auch etwas über die Persönlichkeit, den Charakter oder die Stimmung erzählen. Künstler*innen haben sich schon immer damit beschäftigt, wie man den „inneren Menschen“ zeigen kann. Was macht dich als Person aus? Was sieht man dir an und was nicht? Materialien & Techniken – Mixed Media Mixed Media bedeutet: Gemischte Medien, also verschiedene Materialien und Techniken in einem Bild kombiniert. Künstler*innen nutzen diese Methode, um vielfältige Ausdrücke zu erreichen. Materialien und mögliche Wirkungen: Material / Technik Mögliche Wirkung Beispiele Bleistift / Kohle ruhig, fein, verletzlich Gesicht, Skizze Acrylfarbe / Wasserfarbe ausdrucksstark, stimmungsvoll Hintergrund, Kleidung Collage (aus Zeitschriften, Fotos etc.) vielschichtig, symbolisch Gedanken, Gefühle Schrift (Handschrift, Zeitungsaufsätze) persönlich, laut, politisch Zitate, Namen

Klassenstufen: 8-9. Klasse

Tauche mit deinen Schüler*innen ein in die faszinierende Welt von William Morris und der Arts-and-Crafts-Bewegung! Dieses Material verbindet Kunstgeschichte mit kreativem Schablonendruck und lässt deine Lernenden Tradition und Moderne auf spannende Weise verknüpfen. Entdecke, was dieses Material für dich und deinen Kunstunterricht der Klassen 9/10 bereithält: Umfassende Einführung: Deine Schüler*innen lernen William Morris und die Arts-and-Crafts-Bewegung kennen. Sie verstehen, wie diese Epoche auf die Industrialisierung reagierte und welche Ideen bis heute aktuell sind. Praktischer Schablonendruck: Mit detaillierten Anleitungen und Vorlagen tauchen deine Lernenden direkt in die Gestaltung ein. Sie analysieren historische Muster und entwickeln eigene, moderne Interpretationen. Differenzierung leicht gemacht: Das Material bietet dir drei Schwierigkeitsstufen für die Schablonen. So können alle Schüler*innen – von motorisch unsicheren bis zu besonders kreativen Köpfen – erfolgreich mitarbeiten und ihre Fähigkeiten optimal entfalten. Kreative Freiheit: Deine Schüler*innen gestalten nicht nur Muster, sondern wenden diese auch auf "moderne Alltagsgegenstände" an. Das fördert die Übertragung von Kunst in den Alltag und macht das Lernen greifbar. Anregende Reflexion: Am Ende vergleichen deine Lernenden ihre "klassischen" und "modernen" Drucke. Sie reflektieren über Wirkung und Gestaltung und schulen dabei ihre analytischen und kritischen Fähigkeiten. Aktueller Bezug: Das Material beleuchtet, warum William Morris' Ideen zu Nachhaltigkeit, Handwerk und Ästhetik heute noch so relevant sind. Eine tolle Möglichkeit, fächerübergreifende Themen wie Bildung für nachhaltige Entwicklung (BNE) zu integrieren! Mit diesem Material erwerben oder verbessern deine Schüler*innen folgende wichtige Kompetenzen: Gestalterische Fähigkeiten: Sie entwickeln eigene Ideen, experimentieren mit künstlerischen Verfahren wie dem Schablonendruck und setzen diese praktisch um. Kunsthistorisches Verständnis: Sie analysieren Werke von William Morris, ordnen sie kunstgeschichtlich ein und erkennen Merkmale der Arts-and-Crafts-Bewegung. Kritisches Denken: Sie vergleichen historische Strömungen mit heutigen Trends und reflektieren Unterschiede zwischen traditioneller und moderner Gestaltung. Analytische Kompetenzen: Sie beurteilen eigene und fremde Arbeiten hinsichtlich Wirkung, Technik und Kreativität. Transferleistungen: Sie übertragen historische Gestaltungsprinzipien in aktuelle Kontexte und erkennen die Bedeutung von Kunst im Alltag. Fächerübergreifende Perspektiven: Sie setzen sich kritisch mit Massenproduktion, Nachhaltigkeit, Upcycling und der Rolle des Handwerks auseinander.

Klassenstufen: 9-10. Klasse